22.12.14
The new song of Deicida 69... Brion Gysin, the beat poet.
EXPENTANCY: Industrial, Experimental, Punk
Un tema en honor al poeta beat, Brion Gysin. La técnica que él usaba se le conoce como permutación (es una técnica de poesía experimental, influenciada por los trabajos del XIX-XX de G. Apollinaire).
I AM THAT I AM
AM I THAT I AM
I THAT AM I AM
THAT I AM I AM
AM THAT I I AM
THAT AM I I AM
I AM I THAT AM
AM I I THAT AM
I I AM THAT AM
I I AM THAT AM
AM I I THAT AM
I AM I THAT AM
I THAT I AM AM
THAT I I AM AM
I I THAT AM AM
I I THAT AM AM
THAT I I AM AM
I THAT I AM AM
AM THAT I I AM
THAT AM I I AM
AM I THAT I AM
I AM THAT I AM
Puedes acceder a la descarga gratuita de diversos lanzamientos de este proyecto, en:
10.12.14
Desde su nacimiento Sex Pistols ha sido objeto de críticas. En términos sencillos, es un grupo que a pesar de no encontrarse activo se presta a ello, poseen tantos aspectos ambiguos que casi cualquier cosa que contra sus integrantes o su música quiera decirse será bien recibido por quien de antemano ya tiene su opinión preconcebida, por quienes buscan rasgar su nombre o su propuesta. Se les ha dicho farsantes, pequeñoburgueses, capitalistas, productos de la suerte, creaciones de la mercadotecnia, bobos, antimúsicos, y un largo etcétera.
Las críticas, todas ellas, sean justas o no, propositivas o destructivas, son parte central del grupo. Sex Pistols no hubiera podido existir si no es con base a la crítica y la descalificación, ese fue el espíritu del grupo.
Pocos supusieron, y muchos callaron, cuando escucharon las primeras estrofas de aquel hombre sin más aspiraciones que la música en sí misma: You never listened to a word that I said (tu nunca escuchaste -entendiste- ni una palabra de lo que he dicho). Si bien en cierto que en términos técnicos Sex Pistols no despuntaba (ahí una de las ramificaciones de su interesante propuesta), cuando se formó Public Image Limited (PiL) se les cerró la boca a casi todos. Las críticas que a First Issue eran absurdas hasta el grado de versar que se cometía la violación del paradigma del sonido de estudio al tener amplitudes de frecuencia pronunciadas de bajo producto del talento casi natural que Jah Wobble ejerce en PiL y su gusto por el Dub. No fueron pocos los que en un principio buscaron extender las mismas líneas de crítica a Sex Pistols hacia PiL… simplemente habían quedado absortos con la propuesta tan novedosa y futurista del grupo y se resistían a aceptarlo.
Los primeros tres lanzamientos de PiL se encontraban acorde con la tendencia del After Punk, casi todos sus miembros habían pasado por bandas de Punk Rock, conocían el medio musical y eran una suerte de vanguardistas experimentales. La línea más dura estaba compuesta por un trípode de gran química; Keith Levene, Jah Wobble y John Lydon (puedes acceder a un concierto poco conocido dado en Estonia justo en este enlace). Efecto de las drogas, las fricciones que suelen encontrarse en grupos con miembros tan propositivos, así como la complicada personalidad de Lydon como cabeza del grupo se tradujo en una complicada separación una vez lanzado uno de los discos más subversivos, obscuros, densos y experimentales de la banda: The Flowers of Romance (puedes descargar el disco desde este enlace). Después de él, Lydon queda como batuta y PiL pasa a convertirse casi en un proyecto solista con músicos invitados. El cambio de sonido, efecto de los nuevos integrantes, de inmediato se aprecia en los conciertos que se ofrecieron en Tokio en 1983, donde uno de ellos se publicó como “Live In Tokyo” (puedes acceder al material en este enlace).
El sonido y quienes le rodean se diferencian en diversos apartados. Primero, una migración de las composiciones basadas en el After Punk y el rock gótico desembocando en ritmos de la música Pop y Dance. Segundo, el matiz lúgubre de sus primeros trabajos se aclara, las composiciones posteriores son más vivas, más amarillas, más luminosas. Tercero, John Lydon abandona el papel del personaje pedante que le caracterizaba desde Sex Pistols, esa especie de actuación del artista desquiciado que invita a pensarle como un genio incomprendido y misterioso se abandona para dar entrada a un ser con más humanidad, más espontaneo, y, al final de todo, más seguro de sí mismo para hacer y decir lo que quiere al momento en que siendo transparente se divierte. Cuarto, en general sus integrantes ya no se tratan de principiantes o músicos con poca trayectoria, sino de profesionales, algunos de ellos con un importante nombre traídos de distintos sectores de la música, desde el funk, el industrial, el jazz, el pop, hasta el progresivo. Quinto, el nombre PiL ya se cotiza por sí mismo, ya no se trata de un grupo emergente que se presente como promesa que puede errar, sino de un proyecto que en sí mismo garantiza calidad que se sustenta en trayectoria. Sexto, abandono de la radicalidad, de la búsqueda del sonido que explora diversos extremos; dicho de otra manera, PiL ya no huele a ser un grupo de drogadictos.
Con esa dinámica de nuevos aires se publicó “This Is What You Want... This Is What You Get” (esto es lo que quieres… esto es lo que obtienes). El disco es un entero rompimiento con su tradición underground, es un disco que busca (desde el título) otras audiencias (accede al disco en este enlace). Esta tendencia se vería en subsiguientes materiales, por ejemplo en Album, un disco cercano al Glam Rock Alternativo que se hizo a finales de los ochentas (accede a la reseña y al disco desde este enlace).
Ahora bien, en términos estrictos muchos de sus temas se tratan de remix de temas grabados con anterioridad donde participó Levene pero no sacados a la luz originalmente y que fueron publicados producto de que Levene poseía un master de las versiones originales de algunos tracks inéditos que fue lanzado con el título: Commercial Zone (puedes acceder al disco en el siguiente enlace). Esto, como era de esperarse, trajo problemas legales entre Levene y el resto del grupo dado que PiL lanzaba sus discos en grandes sellos discográficos teniendo con ello un control estricto de qué se publicaba y qué se mantenía “escondido” o en “rare”. La forma en que se dieron las cosas no permitieron saber si las estas grabaciones originales hubieran visto al público si Levene no las hubiera expuesto, o, por el contrario, si la nueva formación de PiL ya tenía planeado realizar grabaciones alternas.
Dado esto, This Is What You Want y Commercial Zone suelen entenderse como discos de contraste, discos que compiten entre sí. En mi particular punto de vista, Commercial Zone es, por mucho, el mejor de ambos. Sin embargo, cabe señalar que a pesar de este último es un gran disco no es otra cosa más que la línea que ya se venía notando desde Metal Box (accede al disco y reseña en este enlace), es decir, la forma de composición ya se conocía con anterioridad por lo que no representa por sí mismo un quiebre en el sonido, algo que sí es This Is What You Want.
Después de That What Is Not (accede a la reseña, el disco y un vídeo inédito, aquí) PiL tomó un largo respiro de los escenarios y del estudio en la década de los noventa. Regresó entrado el siglo XXI, actualmente se realizan giras del grupo, se lanzó un nuevo disco LP titulado “This is PiL” (el cual se trata de un material muy bien logrado tomando en cuenta que los retornos de grupos ochenteros sueñen ser decepcionantes). En esta situación de reactivación del legendario grupo que reinventó el Punk Rock a un grado prócer se ha podido ver presentaciones que, una vez hechas a un lado las reyertas juveniles, integran a sus tres figuras míticas tocando sus clásicos, sin embargo ya no se unen para componer nuevos temas, de alguna manera concientizaron que lo suyo fue parte de un momento de su vida y cada uno de ellos hoy tiene otros proyectos. Levene y Wobble continuaron como solistas, Lydon tiene un capital con Sex Pistols y con PiL que le hace ser un hombre poderoso en el medio artístico que ya no necesita demostrar mucho y que, aun queriéndolo hacer su edad y su salud no le permitiría tener una actividad con el grado de producción que manifestaba a sus veinte y treinta años, él se convirtió en una figura mediática que inclusive ha participado como presentador de TV, como protagonista de documentales, participante de debates políticos (donde no muestra un conocimiento importante del tema, no es una persona especialmente culta o precisa), es una figura que en sí misma genera audiencia aunque en realidad no se le tome enserio. Lydon hoy tiene un mote de toque aristocrático del hombre que se sabe importante, que se sabe mediático, querido por las masas, aprecio al que el responde con regocijo.
Por último, Levene seguramente es el que ha tenido menos fortuna de todos los participantes originales de los PiL, como en otras tantas historias del rock, echó a perder muchos años de su carrera producto de su adicción a la heroína (fue producto de esa adicción por la cual siempre fue despedido de los grupos, comenzando por The Clash, grupo en el cual fue guitarrista). En los últimos meses él ha estado realizando una campaña casi individual en redes sociales y medios alternativos publicitando un nuevo lanzamiento del Commercial Zone. Desconozco si ese lanzamiento se trata de lo que ya conocemos u otros masters que haya tomado sin el aval del grupo.
Al fin de cuentas así es la historia del Rock, una historia conflictiva y ambigua.
EXPENTANCY: Post Punk, New Wave, Experimental, Dark Sound, Dance
FELLOW: Sex Pistols, David Bowie, Psychic TV
9.12.14
Considerado como la biblia de los extintos La Polla Records, Salve, primer LP del grupo, se ha convertido en un clásico del punk rock de habla hispana. Publicado en el mismo año en que Eskorbuto lanzó su primer LP (Eskizofrenia), se presenta la semilla de la rivalidad que entre ambas agrupaciones se acrecentaría en el tiempo.
El disco sabe a un toque pop, un sonido que nunca les fue propio en concierto donde desataban un manejo preciso, rápido, explosivo, sarcástico y dinámico de su música. Las letras, inteligentemente escritas, son un puñetazo de verdades lanzado en 19 canciones de poco más de minuto y medio, lo cual le vuelve un disco vertiginoso, ameno, bien logrado. En gran medida el aprecio que al disco se tiene es producto del trabajo vocal y letrístico que en él aparece, por medio de frases sencillas, claras, lúcidas, simétricas adheribles, se trata de un material que lanzó muchos de los eslóganes del punk rock en español, aspecto que en el momento de su publicación (1984) no existía en esta lengua. Para esos tiempos las grandes potencias del género se ubicaban en el mundo sajón, de ahí se extraían los “ideólogos”, las grandes figuras que, en términos serios, eran muy elementales y poco imaginativos, sobrevalorados. Algunos de ellos ya habían migrado a otros estilos para los ochentas. Sin embargo, en Salve se retrata un punk rock que entorna lo básico, lo cadencioso, lo “proto”, la crítica política no partidista, lo anticivilizatorio, el principio autodestructivo del “no future” de su apertura:
Montando bronca nos desahogamos.
Cuanto más fuerte más molestamos.
No quieren vernos pero aquí estamos
marcando nuestra pequeña venganza.
Vamos arrastrando nuestra ruina,
estamos demostrando que nada nos motiva.
Nada nos mueve,
no hay esperanza.
¡Venganza!
Estas expresiones le eran muy propias (léase: adecuadas) a la situación social por la que corría la España posfranquista, principalmente en la zona Vasca, lugar donde aparecieron los grupos que radicalizarían el rock de la península. En la zona madrileña estaba en boga una especie de movimiento musical de bandas de New Wave y Post Punk integradas por jóvenes de la clase media, se le llamaba: Movida Madrileña. La agrupación que alcanzó mayor fama de este último fue Alaska y Dinarama, un grupo integrado por jóvenes con tintes ideológicos de la ultraderecha (cada vez que tenían oportunidad despotricaban contra el comunismo, contra la protesta política, y, claro está, contra el movimiento de grupos vascos que eran en términos esenciales contrarios). Otro más, pero cortado con la misma tijera, fue Parálisis Permanente, el cual intentó ser una copia del Post Punk, o Punk Siniestro, que se hacía en Inglaterra, país al que viajó Eduardo Benavente y que a su regreso intentó imitar en sus modas. Para el País Vasco la situación era distinta, por muchos observada como una suerte de derrota una vez esperada la independencia del Reino de España a la muerte del dictador Franco; la pobreza, la marginación, la heroína y el paro eran los elementos cotidianos sobre los cuales se desarrollaron los grupos que ahí aparecían y que, una vez pasado el tiempo, en la actualidad son considerados los generadores de una de las épocas del Anti Todo. Aspecto que ni en mínima proporción gestó la Movida Madrileña que se centró en hacer montañas de dinero y convertir a sus integrantes en músicos famosos durante un acotado periodo de tiempo. De Alaska y Dinarama no se puede escribir mucho, en ellos no hay ningún fin o justificación extraordinaria a su trabajo, en ellos no hay más espíritu que el dinero y el aplauso.
En función de lo anterior se explica la aparición y las formas de La Polla Records, el desglose de sus elementos, su finalidad. El desarrollo del grupo está profundamente ligado a situaciones azarosas; se fundaron como un mero pasatiempo, no conocían a detalle lo que era el Punk Rock (inclusive, hoy lo dicen ellos mismos, en un principio les cerraron puertas dado que no vestían como solía hacerlo el Punk de la época. Y no lo hacían dado que no sabían cómo era esa estética), cuando construyeron sus letras buscaban hablar de cosas que les ocurrían, no poseían estudios superiores, se trataba de obreros, de jóvenes trabajadores del ramo de la construcción (empleo muy común para cualquiera que no poseía estudios académicos en esos días) que montaron un grupo sin mayores expectativas, sin público, y que las circunstancias les fueron benéficas.
Salve se realizó en un pequeño sello sin mayores pretensiones que grabar lo que hasta ese momento tenían articulado. Inclusive se seleccionó esa casa disquera sólo por ahorrarse unas pesetas. Por el azar y el impredecible juego del cambio de circunstancias el disco se vendió bastante, el sello creció rápidamente al recibir inversión y el grupo adquirió una notable fama en toda España, a pesar de ello el grupo pasó bastantes años sin cobrar, o cobrando montos económicos casi simbólicos, por sus conciertos…
...muchas veces estábamos sin un duro para transportarnos. Llegábamos a los conciertos sabiendo que no nos pagarían nada. Pero, eso sí, llegábamos sin dinero pero con una fama inmensa. Los organizadores nos decían que apoyáramos los eventos con nuestra presencia, siempre ‘para la causa’…Después nos dimos cuenta cuál era esa causa, engordar sus bolsillos aunque nosotros no tuviéramos para comer.
Después de este exitoso primer lanzamiento, vinieron otros discos que repitieron la fórmula de Salve, pero ninguno de ellos fue elevado a la categoría de disco de culto que alcanzó el primer lanzamiento.
La Polla Records ha dejado de existir, Evaristo Páramos -su vocalista- ha continuado con otros proyectos. Ya se trata de un hombre que aprendió a madurar en los escenarios, hoy cuenta con 54 años, con hijos, con una importante trayectoria que le permite vivir de sus presentaciones como vocalista profesional sin necesidad de amasar fortuna alguna, sino de una forma sobria, austera, con lo necesario para no convertirse en un viejo ridículo con sueños los de grandeza que caracteriza a muchos otros músicos de su edad y talle.
Lo que más nos ayudó en nuestra carrera fue el lugar de donde veníamos. Era un pueblo pobre de trabajadores rudos. Algunas veces nos presentábamos ante 20 000 personas y cuando regresábamos estábamos orgullosos y pretenciosos como cualquier chaval que cree hizo algo. Pero al llegar a nuestro pueblo siempre nos bajaban de ese tabique en que te pone el aplauso, y eso fue lo que más nos ayudó a mantenernos activos tanto tiempo. Nuestro pueblo nos enseñó a no perder los pies.
EXPENTANCY: Punk Old School
FELLOW: RIP, Cocadictos, Eskorbuto, Sex Pistols
7.12.14
Dicky Design se trata de un duo alemán que lanzó un único disco y apareció en pocos compilados de sellos independientes durante la década de los 90. Se encuentran dentro del corte minimalista de la música electrónica de finales del siglo pasado antes de que Martial Canterel popularizara el estilo ya entrado el siglo XXI con el arrollador Confusing Outsides. Por su parte, Dicky Design se trata de un proyecto ácido, con pocos pulidos, una condición de grupo que acentúa las funciones de las bandas y solistas que dominaron el tiempo de las máquinas, aquellos que sin temor aceptaron y replicaron el espíritu de la Musique Concrète; hacer más con menos (un interesante compilado de ello, puede ser descargado en este enlace).
Into The Ghetto Lp de Dicky Design publicado en 1998, se compone de 14 temas realizados con electrónica analógica. Es un disco lento, en algunas secciones son delirantes, generalmente decadencioso, difícilmente definido como música de baile.
EXPENTANCY: Minimal, Synth
FELLOW: Snowy Red, ICU, Monoton
4.12.14
Un tornillo cayó al suelo
en su negra noche de horas extra.
Cayó vertical y tintineante
pero no atrajo la atención de nadie,
igual que aquella última vez,
en una noche como ésta,
en la que alguien se lanzó al vacío. (Xu Lizhi)
EXPENTANCY: Industrial, Experimental
FELLOW: Lance Barton, Organum
1.12.14
Considerados por algunos medios como la banda más importante del Underground en Cleveland, Pere Ubu posee una carrera de cuatro décadas. Pere Ubu traspasa la permeabilidad de las primeras capas de lo que vulgarmente se conoce como el Underground (gótico, batcave, deathrock, etc.), no se aloja en esos estilos que son más parafernalia que arte y otorga sus ojos a lo psicodélico, el rock n roll clásico, el blues, el punk, el jazz y a la mezcla experimental algunas veces tallada en técnicas del rock industrial orgánico. Junto con el característico sonido, el trabajo que hacen en las letras es desafiante, y su métrica de canto, sarcástica.
David Thomas, su fundador y líder, es una figura de culto del subterráneo. Trabajos como poeta, evidentemente como músico, guionista de algunas puestas en teatro, pintor amateur. Un hombre de aspecto común pero con una manera de ejercer su vida diaria sin obedecer los esquemas de los hombres que se dedican a una sola actividad y en ella se especializan.
Hasta la actualidad, Pere Ubu continúa realizando presentaciones. David Tomas, hoy ya pasados sus sesenta años, continúa generando mecanismos para ejercer su actividad por sobre sus problemas cardiacos y vasculares. Seguramente ya próximo a morir como otros de sus colegas de generación, posee en su haber el nombre que en sí mismo simboliza la voluntad de trascender más allá de su existencia y sus múltiples errores.
En la entrada otorgo a descarga dos de sus materiales (se pueden descargar desde este enlace). Para 1978 lanzó su segundo LP intitulado Modern Dance, para principios de los ochentas se publica Song Of The Bailing Man. No existen diferencias sustanciales entre ambos discos; el sonido psicodélico, punketoide y experimental hace presencia en ambos. A su vez, en este mismo sitio se ha publicado con anterioridad un importante compilado del grupo (puedes acceder a él desde este enlace).
EXPENTANCY: Post Punk, New Wave, Experimental
FELLOW: Talkingheads, Scott Walter, Pink Turns Blue
24.11.14
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| Exclusive For Plataforma Recs. |
Japan, the birthplace of Noise, has avant-garde artists in the genre. Far too many proposals time ahead, futuristic, avant-garde.Mexico, with a rhythmic tradition, set in a chaotic environment, land of Pancho Villa and Emiliano Zapata, ground fighting, blood and festivity.For the first time in the history of music, two artists from these countries have just work Noise / Experimental. The disc is a cultural contrast between a danger zone.
El disco que aquí presento se trata de un lanzamiento muy particular, el primer trabajo en la historia del sonido Noise/Experimental de ejercicio mutuo entre dos proyectos de culturas esencialmente distintas, e inclusive confrontadas; México y Japón.
Haciendo una somera revisión de “escaneo” al noise oriental; se caracteriza no sólo por poseer una muy extensa gama de artistas que se mueven en ese terreno, nombres como Merzbow, Gerogerigegege, Kazumoto Endō, Himei Koukotsu, son símbolos de un movimiento enorme de experimentalistas del sonido, vanguardistas, extremistas, seres extraños para nuestra cultura -latina e indígena, mestiza- plenamente occidentalizada. Japón es por mucho la cuna del Noise, desde ahí se da cátedra del género que en sí mismo es antimúsica, desprecia lo ortodoxo. Una manera muy distinta y muy hermética de responder a la cuestión ¿qué es el sonido?
Por otra parte, en México se posee un terreno muy exquisito de música popular, ecos muy dinámicos de su multicultura, jovial, muy tradicional. A pesar de lo magnánimo del sonido popular que se puede escuchar en cualquier plaza del país cualquier día de la semana, al prestar atención a lo que se hace de manera alterna a sus tradiciones es muy sencillo hallar expresiones ridículas. México nunca se ha caracterizado por la vanguardia, por prescribir algún tipo de modelo de artistas. Lo más cercano a un modelo de artista de estilo propio exportado masivamente a otros países se dio en el muralismo, principalmente el asociado al ideario revolucionario tan patente durante los primeros dos tercios del siglo XX. México, en el extranjero, es visto como un país nacionalista con población resistente a los tiempos complicados, resistente a la mezcla de sus tradiciones fundadas después de la conquista española.
La dificultad para integrar propuestas extranjeras al seno de su creatividad es una de las fuentes por las cuales se puede explicar que en México no exista el Underground como movimiento (algo que no ocurre en Brasil -otra de las promesas de país potencia latinoamericano-, y más aún que no ocurre en Europa donde la capacidad de adopción de expresiones extranjeras es natural), en México tampoco existe un movimiento subterráneo como propuesta estructurada. Los escasos centros de conciertos regados en el país están lejos de ser centros culturales como un CBGB o un Rockpalast, sólo son sitios para pasar el rato, beber y divertirse (quien se divierta de esa manera), lugares sin ideas, así como los grupos que en dichos lugares suelen montar espectáculo son sólo ello, grupos para divertir, grupos huecos. Muchos de ellos sin el más mínimo talento para crear música. Llevado esto al terreno del Noise o al Experimental la situación se agrava, en México no son más que un puñado de personas las que conocen y radican en ello, la gran masa transita en el Gótico, el EBM, el Minimal y otros estilo que redundan, al fin de cuentas, en la música comercial. No se visualiza el concepto de la “antimúsica”, tampoco sus escuchas están por enterados que la música armónica está ya agotada, que es necesario explorar otros terrenos antes de encontrar una armonía adecuada a nuestro siglo.
En apreciable medida, ese contraste se denota en este disco. Yuuko Haii, un artista experimental Japonés, presenta una construcción muy peculiar de los 5 temas que de él hay en este Split, temas collage captados del espectro radiofónico oriental con severos cortes de Noise (algo que no se hizo durante los 70s y 80s, algo que en sí mismo entra en el actual avant-garde). Yuuko tiene una cantidad amplia de lanzamientos (es muy común que en Japón los experimentalistas editen un disco tras otro, algunas veces hasta 20 discos en un solo año) difundidos en diversos sellos (casi todos ellos orientales). Es de dominio público que se trata de una persona con esquizofrenia diagnosticada y con más de un intento de suicidio. Aspecto extendido a casi todos los artistas que se encuentran dentro del experimental extremo.
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| Yuuko Haii en Concierto |
Deicida 69, el proyecto mexicano, presenta la segunda sección del Split con 5 temas, que como se escuchará mantiene un estilo más constante y menos rupturista a lo que se aprecia con Yuuko Haii. El estilo es iconoclasta e integra aspectos del Noise y el Punk para experimentar con ambos. Este proyecto ha sido presentado previamente en este sitio, en este año se han lanzado 3 discos del proyecto (Requiem -puedes acceder a él en este enlace-, Fetish in Sight -aquí su descarga directa-, y este que es el tercero del año). En cierta medida Deicida 69 posee un toque de construcciones más ortodoxas, más digeribles, que si bien para este país es vanguardista -en México no hay más proyectos de punk/noise experimental- para el extranjero puede resultar menos propositivo. Aunque dicha opinión radicará en cada escucha.
En general, el disco no es para el escucha raso, es un disco complicado de oír, difícil de valuar, tal y como son los discos de genuino Underground, de artistas que no buscan fama, escenario, dinero, públicos confesionales o fans, sino de artistas que simplemente hacen lo que quieren realizar en espera no de llegar al público, sino que el público los encuentre.
Por último, el material es lanzado por el sello brasileño Plataforma Records (en dicho sello han editado ambos proyectos que aquí se presentan), el cual se especializa en el Underground de diversas partes del globo. El disco lleva por nombre; Improvised & Insane: The First Association Libertine México-Japan. Cada uno de los temas se realizó en un periodo de tiempo corto que en su totalidad no sumó más de 2 meses para la producción y masterización; esa fue la única condición que se pactó entre Yuuko Haii y Deicida 69 para lanzar el Split, el resto es libertinaje en el sonido.
Por último, el material es lanzado por el sello brasileño Plataforma Records (en dicho sello han editado ambos proyectos que aquí se presentan), el cual se especializa en el Underground de diversas partes del globo. El disco lleva por nombre; Improvised & Insane: The First Association Libertine México-Japan. Cada uno de los temas se realizó en un periodo de tiempo corto que en su totalidad no sumó más de 2 meses para la producción y masterización; esa fue la única condición que se pactó entre Yuuko Haii y Deicida 69 para lanzar el Split, el resto es libertinaje en el sonido.
18.11.14
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| Exclusive |
Carcrash International, anteriormente presentados en el compilado Whisper Moon (compilado de tres volúmenes que puedes descargar desde este enlace) es parte de los llamados súper-proyectos, o súper-grupos. Estos son comunes en cualquier género, aunque abundan más en el Pop y el Rock Clásico de finales de los sesentas; se les llama así a aquellas agrupaciones que se fundan principalmente por sellos discográficos, por algún productor, o por alguna marca, con el objetivo de conjugar en el grupo a figuras ya reconocidas, o figuras de gran potencial como músicos, esto partiendo de que el grupo se caracterizará por lanzar temas que serán exitosos. Y, en realidad, casi siempre se fundan estos súper-grupos como grupos de culto, algunos sólo graban un disco y desaparecen, otros se mantienen por más tiempo. Por ejemplo, Cream era un grupo de estos.
Por su parte, Carcrash International se formó con figuras del gótico de raíz anglo; formados por el primer bajista de Sex Gang Children (un maravillosos disco de SGC en este enlace) al cual se le deben esas potentes líneas de bajo que ridiculizan cualquier trabajo de Peter Hook, me refiero a Dave Roberts. Integrantes de Christian Death, que adquirieron importancia junto con el trabajo de Rozz Williams, también están en Carcrash, a su vez, hay colaboración de miembros de Mephisto Walz, Theatre Of Hate, Line Up Oona, David Parkinson que trabajó para Switchblade Symphony como representante… entre otras figuras que pasaron por este interesante proyecto.
El grupo fue sumamente intermitente, es decir, publicó poco en muchos años. No he sabido que realizaran alguna presentación en directo, pero bien puedo estar equivocado en esto último. Su discografía consiste en 4 entregas de las cuales sólo uno es LP y los restantes discos de 12” (puedes descargar todos los discos en este enlace). A pesar de esto, fieles con el objetivo de estos grupos de carácter especial, casi todas sus entregas son brillantes. Los estilos que se encuentran van desde el Post Punk pasando por el New Wave hasta el rock gótico, un gótico de mucha calidad.
Actualmente se han descontinuado sus discos, quizás sólo se pueda conseguir el Fragments Of A Journal In Hell. A su vez, es parte de esos proyectos que al no haber tenido la presencia publicitaria tras de él se mantiene en bastante anonimato, lugar donde están las joyas del underground.
EXPENTANCY: Post Punk, Gothic Rock
FELLOW: Sex Gang Children, Joy Division, Dance Society
16.11.14
Hace mucho tiempo Bauhaus dejó de ser una banda de Underground, inclusive siguiendo estrictos “filtros” de esa clasificación, nunca lo fueron, estaban demasiado interesados en lo que de ellos dijera la prensa, buscaban las entrevistas, les molestaba el vapuleo, despreciaban la anonimidad. Sin embargo, aun cuando se parta del hipotético de ser Bauhaus una banda de Underground, hoy ya no lo serían.
Su fórmula quiso venderse como se vende cualquier otro grupo, como un grupo novedoso y original, y muchos compraron las constantes declaraciones que en su momento hicieron respecto a que ellos no buscaban ser parte de ningún género musical, cosa que ni antes ni hoy se sostiene por algún lugar. Ellos fueron parte de la ola y moda gótica post punk, se presentaron en esos clubs, alternaron con esos otros músicos de su mismo género, se vestían como vestían todos los demás, adoptaron los temas letrísticos que se usaban en el momento, hacían el performance común del Londres obscuro, eran demasiado semejantes a lo que en su época existió, inclusive se separaron porque tres de sus miembros no aceptaban la intrusión a terrenos de música Pop/New Wave que su vocalista quería hacer, estaban demasiado comprometidos con los géneros y se separaron por la misma razón por la que se separan los grupos comerciales. Esto porque Bauhaus fue esencialmente un grupo comercial. Muy lejos estuvieron de la trayectoria del genuino underground, muy lejos estuvieron de trayectorias como la de Danny Devos, Chrome, Ramleh… Bauhaus fue como su público, afectos a lo que está de moda, a la parafernalia, a creerse originales, únicos, incomparables; así son los “góticos”.
Gracias a ello, a esa búsqueda de reconocimiento, y a la búsqueda de la presencia escénica perfeccionista (no les gustaba improvisar, sino escucharse lo más semejante a cómo se escuchaban en estudio), sirvieron como referente a varios grupos y están en la lengua de casi todos. Es un grupo que nunca impresiona cuando es mencionado, es una especie de The Cure; música hecha para amplios espectros de escuchas. Desde su separación han sido eje de multiplicidad de tributos que siempre son hechos por grupos asociados de alguna manera al rock obscuro que era el estilo que les definió al ser, Bauhaus, muy sencillos de clasificar. Supieron explotar el sonido en su género, pero nunca experimentaron profundamente con él. De ello que no se les recuerde como un grupo de vanguardia, sino sólo como un buen grupo de música obscura.
The Passion of Covers: A Tribute to Bauhaus es una colección lanzada a mediados de los noventas por grupos que en ese momento explotaban la música obscura que se encontraba de moda, la música obscura electrónica en sus diversas derivaciones (hay algunos semiacústicos). Actualmente un cover a Bauhaus sería más semejante a un estilo minimalista post punk, un estilo Motorama o algo similar que es la moda que hoy se encuentra en los escuchas… Retro, le llaman.
El disco se compone de 13 tracks bien logrados (puedes obtenerlo en este enlace), una buena producción le acompaña y en original se lanzó en edición de transparencia en portada que le hace muy atractivo a la vista. Los temas seleccionados forman parte -la mayoría- de los sencillos del grupo. Resumiendo, es un disco agradable, pero está lejos de ser impactante pues es difícil que Bauhaus sea impactante de alguna forma.
Sin embargo, vale la pena escucharlo. Al menos conocerlo a pesar de que no es bien valorado por la crítica de muchos, incluyéndome.
EXPENTANCY: Electro, Darkwave, Gothic Rock
14.11.14
Distressing, black. There is fear, a narrative of mundane language.
This is a record of what was the emerging Free Jazz in dark and gloomy sound. A sound lonely and desperate people.
EXPENTANCY: Jazz, Experimental, Ritual
FELLOW: Sun Ra, Fuzzy Wave, Terje Rypdal
9.11.14
Anteriormente se han presentado discos de Legendary Pink Dots; tres discos (Basilisk, Chemical Playschool 3 & 4, Curse) pueden ser obtenidos en este enlace; y la entrega doble “A Guide To” justo aquí… a su vez, hace unos meses presenté un artículo en torno a este legendario grupo en la revista donde publico bimestralmente (The Revista 13th).
Quien conozca a Legendary Pink Dots sabe que es uno de los últimos nombres que aún sirven como trinchera de lo que es un grupo creativo, prolífico, impactante, subterráneo, indócil. En el underground no encuentro a un solo grupo que les sea paralelo en su manera de operar sobre el arte; la narrativa que tras ellos existe es inmensa y polifacética, desde la comercial Rolling Stone hasta los fanzines se ha hablado de ellos, su ductilidad de sonido les permite presentarse en grandes festivales o pequeños cafés, tienen canciones para cualquier situación, su abanico de emociones en los cientos de composiciones (creo que superan más de mil canciones en sus más de 30 años de carrera ininterrumpida) es multicolor. Y, aspecto extraño, son poco mencionados en México… lo cual también se explica por la mediocridad que caracteriza casi a toda la esfera del melómano nacional habituado a consumir lo que se vende por las “grandes marcas”.
Sin mayores reflexiones a las que ya he escrito en post previos relativos al grupo; para esta ocasión me ubicó en los finales de los ochenta como punto “de corte” en que se elaboran estos dos discos: Live 1985-1988 & Legendary Pink Box. El primero (al cual pueden acceder en este enlace) se trata de diversas grabaciones en concierto realizadas a lo largo de 4 años, grabaciones que expresan la energía y experimentación en vivo de este grupo consumado.
Por su parte, Legendary Pink Box se trata de un lanzamiento doble del año 1989, un compilado de 24 temas (puedes descargarlo desde este enlace), un disco magnífico.
Dos materiales obscuros, psicodélicos, experimentales, sonidos orgánicos.
EXPENTANCY: Experimental, Psychodelic, Punk, Synth, Industrial
FELLOW: Lost Bodies, LÖhstaNa & D., Kraftwerk
5.11.14
Pensando en los cagados que visten en negro y pintan su cara como payasos; Peter Murphy, Eduardo Benavente… etc., son nombres que se hacen en la publicidad. Son los accesibles a cualquier escucha.
Daniel Plunkett es parte de los nombres que se pierden en el camino del genuino underground que después de décadas son encontrados por gente que hurga en lo raro y gusta hablar de eso, que habla un lenguaje que a casi nadie le importa. El más duro e introspectivo mundo subterráneo, el impenetrable. Su vida fue propia de aquellos que mueren por su pasión en medio del olvido y la pobreza, no contó con la estación -el otoño- para hacer el trabajo de penitencia que hizo Rimbaud en “Una temporada en el infierno”, la vida de Plunkett fue la entrega incondicional a un rastreo por los suburbios estadounidenses y europeos donde la densidad mental y los peligros se follan entre sí y el producto se juzga como un aborto de las sobras de la civilización. Ahí es donde está la cosecha de quienes se mueven al filo de la cordura. El artista corriente, el común, está arriba de escenarios buscando aplausos, dinero, vaginas calientes y jugosas; el artista experimental está en hospitales mentales o escapando de ellos, está sometido a una disciplina compleja, está en reducidos cuartos de su hogar creando algo que quizás nunca nadie conozca, se tiene doble vida, es un ser esencialmente torturado por sus vicios, sus prejuicios, sus temores y es víctima de la derrota en este mundo que marcha sin parar, su vida es una derrota por definición. Es un perro solitario. Es un fanático. Es un poeta del sonido. Es, como muchos de ellos acaban su transcurrir en este mundo de prestado, un suicida potencial.
Daniel Plunkett es parte de los nombres que se pierden en el camino del genuino underground que después de décadas son encontrados por gente que hurga en lo raro y gusta hablar de eso, que habla un lenguaje que a casi nadie le importa. El más duro e introspectivo mundo subterráneo, el impenetrable. Su vida fue propia de aquellos que mueren por su pasión en medio del olvido y la pobreza, no contó con la estación -el otoño- para hacer el trabajo de penitencia que hizo Rimbaud en “Una temporada en el infierno”, la vida de Plunkett fue la entrega incondicional a un rastreo por los suburbios estadounidenses y europeos donde la densidad mental y los peligros se follan entre sí y el producto se juzga como un aborto de las sobras de la civilización. Ahí es donde está la cosecha de quienes se mueven al filo de la cordura. El artista corriente, el común, está arriba de escenarios buscando aplausos, dinero, vaginas calientes y jugosas; el artista experimental está en hospitales mentales o escapando de ellos, está sometido a una disciplina compleja, está en reducidos cuartos de su hogar creando algo que quizás nunca nadie conozca, se tiene doble vida, es un ser esencialmente torturado por sus vicios, sus prejuicios, sus temores y es víctima de la derrota en este mundo que marcha sin parar, su vida es una derrota por definición. Es un perro solitario. Es un fanático. Es un poeta del sonido. Es, como muchos de ellos acaban su transcurrir en este mundo de prestado, un suicida potencial.
Daniel Plunkett fundó el concepto “ND”, difusión de artes abstractas visuales, del noise, el industrial, los terrenos que experimentan con lo apocalíptico. Bajo ese concepto fundó un sello discográfico que lanzó grabaciones propias de un desequilibrado psicológico. “ND 7” es una de ellas.
ND 7 es un exquisito compilado de mediados de los 80s, un monumento al minimalismo, a lo desequilibrante, a lo negro del alma, una denuncia al progreso que busca “cada día ser mejor, más perfecto y productivo”, ND 7 es un sonido de corte intelectual de 25 tracks que saben a heroína. No es un disco “sano”.
EXPENTANCY: Experimental, Industrial, Jazz, Noise
- Daniel Plunkett - SideA Intro
- Die Form - Psychotic
- Paul Thomas - Untitled
- The Joke Project - TJP For Africa
- Hapunkt Fix - Performance In A Staircase
- Big City Orchestra - Worksong
- Minoy With Zan Hoffma - Hurts So Good
- Sonja Van Der Burg - A La
- The Haters - Destroyed Music
- Theatre Of Ice - Media Collage
- K.U.Sch. - Untitled
- X Ray Pop - Les Courses
- Vittore Baroni - Cut Up Record
- Unknown - SideA Outro
- Paul Hurst - Untitled
- Qwa Digs Never Parish - Man Alone In Cafe Society
- Andre Stitt - Dogz In Heat
- Undercurrent - The Judge Was Late
- Boeed Usic - Our Time Was Worth 25¢ An Hour
- Lon Spiegelman - Excerpts
- Odal - Happy Streetcleaner
- IBF - Norkabal
- Ruggero Maggi - Untitled
- If Bwana - Speak To Me
- Daniel Plunkett - SideB Outro
4.11.14
Holy Toy es una banda con malicia, un sonido donde juega la maldad con el sarcasmo, el sarcasmo con lo negro; un amasijo extraño de rock experimental abstracto, arrítmico, algunas veces electrónico, suele ser tajante, siempre místico, regularmente adherido al folk que se hace en la zona del Este de Europa. Es música muy apta para quienes buscan un sonido quebrado, lento, rudo, ambiental, todo esto bajo una directriz amasada en el punk.
Su carrera se desarrolló en la década de los ochenta, a pesar de contar con una producción discográfica importante nunca figuraron dentro de la lista que comúnmente tiene el experimental, ellos fueron una banda muy subterránea, hecho explicable -en buena forma- por lo impenetrable de sus discos.
Warszawa (1982), Soldier Toy (1982), así como Czemu Nie W Chorze (1985), son materiales obscuros y densos.
EXPENTANCY: Experimental, Post Punk, Industrial
FELLOW: Legendary Pink Dots, Dancing Did, Klaus Mitffoch
27.10.14
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| Exclusive By Plataforma Records |
Meses atrás se realizó una publicación de un LP este proyecto (puedes acceder a la descarga desde este enlace), aquél material (Requiem) corresponde al tercer disco y segundo LP de Deicida 69. En este que hoy presento, el cuarto material, se deja a un lado la estocada elegante que se escuchó tanto en Requiem como en Angalas, en este disco se da cabida a la virulencia. Este es un disco denso, posiblemente grosero.
El disco lleva por nombre: Fetish In Sight. Las temáticas son de fachadas delirantes, el fetichismo, el fanatismo, la sexualidad, lo cíclico, las líricas hechas a manera de rumores, y otros aspectos semejantes. El disco se realizó bajo una técnica de asociación libre en las estructuras, hay parva sensatez en las letras y las disposiciones musicales. Se trata de un material de Rock Experimental que se arroja al Noise, al Punk, a lo etéreo. Es un disco básicamente introspectivo y complicado de entender en su concepto, en él se narra una historia. Es un disco rápido, pragmático. Algunos vídeos de los temas que componen el disco fueron publicados a lo largo de dos meses -periodo en el que se realizó Fetish In Sight -.
Este material se distribuye en un sello brasileño que sólo publica y aborda un rock denso, el sonido underground -refiero al genuino underground-, principalmente el noise. En Plataforma Records se tiene artistas de casi todo el mundo entre sus filas de discos que ya suman más de 100 títulos de aquellos (como su fundador refiere) “artistas que están en conflicto con la dictadura de lo normal”. Recomiendo bastante que visiten el sitio del sello, hay mucho jugo.
Months ago was carried out a publication of an LP of this project. Requiem is the third album and second LP of Deicida 69.
On 26/10/2014 the fourth material is published. It is left to the side lunge elegant heard of Angalas & Requiem. On this record is virulence. This is a possibly rude dense disk. Is crass.
The album is called: Fetish In Sight. The themes are delirious facades, fetishism, bigotry, sexuality, the cyclical, the lyrics made by way of rumors, and other similar aspects. The album was performed under a technique of free association in the structures, there parva wisdom in the lyrics and musical arrangements. It is a material that is thrown Experimental Rock, to Noise, to Punk, to the ethereal. It is an essentially introspective and complicated to understand in concept album, it tells a story. It's fast, pragmatic disk.
Some videos of the songs on the album were released over two months-a period which was conducted Fetish In Sight -.
FELLOW: Avant Dernières Pènses, Sleep Chamber, The Gerogerigegege, Shock Therapy
26.10.14
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| Exclusive For Ergô Felix Culpa |
Les Prés Fleuris es un compilado entrañable, casi imposible de conseguir. De hecho, ningún sitio latino lo tiene entre sus listas. Dado lo anterior, entra dentro de las exclusividades de esta página.
Publicado a principios de los 90s únicamente versión de cassette, se trata de 23 temas todo hechos por bandas que en esos días eran emergentes y prometedoras -actualmente algunas han desaparecido, otras continúan editando discos-. Europa continental es la zona en que se centra este compilado, Alemania, Francia, Italia, Bélgica. El estilo puede ser definido como un coldwave predominantemente, sin embargo también se encuentran cercanías con el post punk clásico y el Ambient.
Respecto a la casa discográfica, poco se sabe. Centrada en acoplados que para nuestros días son referentes en Europa. Pero que se quedaron parados en el tiempo. Difícilmente se encontrará otro material de la época que le iguale en selección y arreglo de los mismos.
EXPENTANCY: Cold Wave, Ambient
Tracklist
- Endraum - Regentanz
- Endraum - Der Traümer Der Keiner Ist
- La Vierge Du Chancelier Rolin - Whim On A Circular Plane
- La Vierge Du Chancelier Rolin - Broken
- Leitmotiv - La Mariée Etait En Noir
- Leitmotiv - Rêves
- Autumn - Ein Glasbild
- Autumn - Windows
- Sebastian Gandera - N'Ecrire Que Du Vent
- Sebastian Gandera - En Dépit Des Solitudes (Pour Desnos)
- Klimperei - Beyond The Green (2e Version)
- Klimperei - 16 Heures Et Quelques
- Clair Obscur - Ich Weiss (Nicht) / Without The Walls
- Clair Obscur - Flowers
- Noït - White Goddess
- Renaissance Noire - Le Chant Des Solitudes
- Ex-Nihilo - Before You Go
- Ex-Nihilo - Rain Falls
- End Of Orgy - Garderie Des Songes
- End Of Orgy - L'Eté Oublié
- Zurück Placenta - Il Se Perd
- Zurück Placenta - Demain
- World Full Of Nothing - Le Serpent
19.10.14
16.10.14
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| EXCLUSIVE FOR ERGÔ FELIX CULPA |
Tony Wilson, Martin Hannett y Rob Gretton son los nombres, para muchos anónimos, que hay detrás del Post Punk manchesteriano, son sus creadores. Regularmente los reconocimientos le son otorgados a los que exponen su cara usando un instrumento o vocalizando, y poco, algunas veces nada, reciben los cabezales a los cuales un afamado grupo les debe el sonido.
Cuando Joy Division llegó al estudio profesional de ensayo era una banda más de Punk Rock, poco tenía que ver con el toque característico por el cual se le conoce hoy. James Martin Hannett, un aficionado al noise, a grabar el “ruido del silencio” (como él le llamaba al viento de los prados), aficionado a la mariguana y retirado del LSD (había sido hippie) dio las instrucciones de grabación, las cuales no eran menos peculiares que el personaje mismo: quiero un sonido más amarillo, quiero una voz gris y rosa, quiero una guitarra de humo… grabó las percusiones al aire libre para “sentir el olor de la ciudad y percibir el armazón de concreto”. Esas fueron las maneras en que se comunicó con Joy Division, así lograron ese sonido espectral y futurista que apreciamos desde el intro de batería, el cabalgue del bajo, el matiz de un sintetizador… el primer tema de Unknown Pleasures; Disorder.
Nadie había logrado un sonido así antes, no existían los medios de digitalización con los que hoy ya cuenta cualquiera desde su ordenador y una potente interfase de sonido digital. Era, 1978-79.
Por su parte, Tony Wilson era un idealista. Miembro del medio del espectáculo y un melómano empecinado, un progresista en el sentido amplio del término, un hombre que creía en la autogestión, en el trabajo que se hace por hombres y no por marcas, en hombre que creía en el marxismo y como muchos otros seres de izquierda política creía estar en la tierra para cumplir un fin romántico y trascendente que se glorificara por el trabajo original y arduo. Así, en medio del reino de los grandes sellos discográficos que lo absorbían todo, que compraban la rebeldía para explotarla y despedazarla hasta hacerla caer en lo ridículo y desprestigiar esa indispensable actitud humana, ahí, rodeado de tanta competencia desleal, Tony hizo un trabajo casi quijotesco: sembró la música independiente, la revalorizó, dio libertad creativa, creyó en él y en quiénes con él trabajaban. A su vez, tenía una iconoclasta forma de entender la publicidad, creó leyendas que aún permanecen, que ahora son entendidas como el cenit de la creación musical.
Rob Gretton era un don nadie. Pero hasta el más incompetente perezoso suele tener alguna habilidad personal. Para el caso de Rob, se trataba de una persona arriesgada, carismática, oportunista y extremadamente segura de sí misma, sufría una especie de verborrea y tenía una capacidad de convencimiento difícil de encontrar en un joven. Fueron estas características en su conjunto las que le hicieron adueñarse del trabajo de representación de talentosas bandas de la zona manchesteriana, impulsaba a muchos a presentarse al público aún sin la preparación suficiente. Las memorias que de Rob existen (no escritas por él) dan cuenta de las innumerables caídas y errores que cometió, caídas que no le afectaron demasiado dado su alto sentido práctico y su capacidad para adaptarse a circunstancias donde las probabilidades y hechos jugaban en su contra. Era un hombre con mucha voluntad. Fue él el que dio la cara ante contratos cada vez que representó a grupos emergentes y sin experiencia, los grupos tímidos eran su especialidad. Esa capacidad para enfrentar situaciones bochornosas sin ruborizarse y sentido intrépido fue muy útil para la Factory Records, uno de los sellos más legendarios de la música moderna.
Cuando Sex Pistols se presentaron en Manchester con su característico estilo desgarbado, violento y narcisista, dieron -como era su costumbre- un buen espectáculo, pero un sonido horrible. Al terminar la presentación, Lydon lanzó una suerte de reto o invitación (depende de cómo se le interprete), dijo: Nosotros somos Sex Pistols, y si creen que pueden hacerlo mejor, háganlo.
La década de los 70s presentó la apertura de espacios en diversos medios relacionados con la cultura. Contrario a la narrativa del Vox Populi que atribuye un alto adeudo al punk como mecanismo por el cual los espacios fueron abiertos, éste no vino a abrir nada que no se encontrara dentro de las inercias que el rock venía presentando desde antes de Ramones y Sex Pistols. La industria musical buscaba propuestas frescas para las nuevas generaciones que buscaban un mensaje adecuado a las vicisitudes del momento. El rock progresivo y sus contemporáneos estaban afiliados a los treintañeros y poco se identificaban esos músicos profesionales con la vida y actividades diarias que transcurrían entre las personas que rondaban los 15-25 años. Esas juventudes encontraban a sus imágenes iconográficas no en Bob Dylan, Floyd o Rolling Stones; sino en Iggy Pop, Lou Reed, Marc Bolan y David Bowie, que eran más semejantes a ellos, más cercanos.
Las formas en que se tradujo la apertura de espacios fueron tanto por medios tradicionales (la absorción de “los nuevos talentos” a casas discográficas internacionales: Sex Pistols, The Ramones, Damned, etc. pertenecen a esta forma primaria), como por mecanismos más iconoclastas que no fueron otra cosa más que la fundación de sellos denominados independientes (haciendo referencia a: independientes de la industria musical que manejaba el medio) que se dieron al por mayor tanto en los Estados Unidos (principalmente en la Costa Este norteamericana) como en Europa (especialmente en Alemania e Inglaterra).
Entre estos sellos que marcaron un nuevo paradigma y generaron nuevos estilos musicales se ubica The Factory Records.
El primer material que publico Factory Records lleva por nombre “A Factory Sample” (puedes acceder a él desde este enlace) y se trata de un 7” doble donde están Durutti Column, Joy Division, John Dowie y Cabaret Voltaire. El material es un lanzamiento conceptual (aspecto que ya había explorado otro sello independiente fantástico, Industrial Records. Puedes descargar un compilado que extrae algunos de esas creaciones en este enlace) que se ubica dentro de los movimientos artísticos de vanguardia y que se alimenta por el dadaísmo y el situacionismo. El primer perfil del primer disco lleva por nombre “Aside”, el segundo “Beside”, el tercero “Seaside”, y, el último “Decide”, las bandas que componen cada lado se encuentran en correspondencia con el intitulado de éste.
Estas ideas, tan originales en su momento, corrieron por parte de los tres fundadores de Factory Records, así como de un principiante en el diseño gráfico que básicamente aprendió su estilo en la empírea, Peter Saville, al cual se le deben como por el azar las portadas de Joy Division, y las frontales de otras bandas que estuvieron el cenit de The Factory Records.
La disquera ubicó a Manchester, la ciudad cuna de la primera Revolución Industrial, una cárcel de concreto horrible, en el centro de la creatividad durante 1978-1985 desplazando temporalmente a Londres, la capital hasta entonces del rock británico. Todo el Post Punk transcurrió y casi se dio en esa ciudad, en fábricas abandonadas, zonas de hacinamiento departamental, un lugar frío, solitario, una zona muy adecuada para el afterpunk, el punk muerto.
En su sentido original, The Factory Records ha desaparecido ya. Los derechos de autor fueron comprados en los 90s, sus fundadores han muerto, las bandas que pertenecieron a ella se han separado. Hoy es un sello tan nostálgico como lo fue la música que en él se grabó, son la ilusión de esos jóvenes idealistas que quisieron dejar huella y de los cuales hoy escribí.
Citando, dada la proximidad de la segunda visita de Peter Hook a México, vale la pena recordar que él, un referente directo de esos hambrientos y creativos años donde jóvenes sin mucho futuro dieron lo mejor de sí, nos dice:
El problema de la música actual no es la falta de músicos talentosos. Los sigue habiendo. Lo que no hay son personas como Tony Wilson, Martin Hannett o Rob Gretton, personas que el dinero les importaba menos que la contribución que a la música pudieran hacer. Hoy, como antes del Punk, todos buscan el dinero… y, siendo honesto, yo me incluyo. Hoy me importa más el dinero que hace 30 años.
En los años noventa se han publicado diversas compilaciones a nombre de The Factory Records, inclusive se han filmado una medianamente interesante película que aborda esos años (24 Hour Party People), se han hecho documentales donde se describe el papel de Manchester en la música moderna (Synth Britannia, y otro par más -que he olvidado su nombre- donde se aborda el caso particular de Joy Division). No hace mucho se realizó una exquisita película biográfica a Ian Curtis (Control), y el número de bandas que hoy han imitado la formula manchesteriana se cuenta por cientos (Motorama es la más comercial de estos grupos del mal llamado Revival).
Dentro de los compilados que se han lanzado destaca uno que aborda los años dorados de Factory Records. Éste lleva por título: The Factory Box Set (Communications 1978-92). Se trata de 4 discos que posee -sin hacer publicidad- lo mejor que se grabó durante 4 años. Es un disco entrañable, es un disco que puedes descargar desde este enlace.
A su vez, también recomiendo el cuarteto Palatine (lo puedes descargar desde este enlace), el cual va de 1979-1990. También un buen disco, aunque en lo personal el The Factory Box Sex me parece mucho mejor, más ebrio de obscuridad, es un sonido claustrofóbico así como claustrofóbica era la ciudad donde se reinventó la música moderna para nunca más volver a ser igual.
EXPENTANCY: Post Punk, New Wave, Synth Pop
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